Nunca he sido un seguidor de la obra literaria de Stephen King, más que nada porque nadie me ha prestado un libro suyo y el hecho de arriesgar con según que autores me parece arriesgado, sobre todo cuando su producción bibliográfica es tan basta. Por otro lado, he visto alguna que otra adaptación de su obra al cine. La última ha sido La Niebla, adaptada y dirigida por Frank Darabont. La película mezcla dos tipos de terror, el psicológico y sociológico, en los que sobresale, y el explícito que recurre a “monstruos”, aunque más que para asustar al espectador asusta a los personajes y refuerza el aspecto de terror psicológico, del miedo a lo que se desconoce, a lo que no se puede ver, a lo que esconde La Niebla.
La acción transcurre en un pequeño pueblo del interior de Estados Unidos, en una zona boscosa que recuerda a los alrededores de Twin Peaks, aunque la mayor parte del film transcurre en el supermercado de la localidad, lugar dónde quedan atrapados una gran cantidad de personajes a causa de la niebla, o mejor dicho, de lo que ha venido con ella. Tenemos al padre, protagonista de la historia, que se preocupa por su hijo pero además tiene esa cualidad que le hace líder espontáneo y un intento de héroe, al vecino gruñón, los mecánicos paletos, los militares de paso, la atractiva profesora nueva, y la fanática religiosa, pero pese a lo tópico de los roles, consiguen que la maquinaria funcione bien y cumple cada uno perfectamente su función. Importante es también la interrelación entre ellos, puesto que de ahí salen muchos de los golpes de humor que tiene la película (por ejemplo cuando Marcia Gay Harden suelta aquello de “cuando quiera una amiga como usted cagaré una”).

El reparto cumple, Thomas Jane está correcto, Laurie Holden (quien interpretó a Marita Covarrubias en Expediente X) también, los secundarios no desentonan, pero quien realmente destaca es Marcia Gay Harden, que consigue que el espectador llegue a no soportarla hasta el punto de estar esperando cuando será el momento en el que muera y deseando que no triunfe, puesto que es, en gran medida, la culpable de la situación de terror sociológico que se vive en la película.

Y el terror sociológico, es, precisamente, el punto fuerte de la película. La Niebla va más allá del “uy, que susto, un nube con monstruos dentro”, sino que ahonda en el terror colectivo que pueden provocar situaciones de inseguridad dónde los mecanismos de la sociedad moderna dejan de funcionar. Da pavor ver como una zumbada fanática de la religión puede tergiversar la realidad para que la sigan, pero más miedo da ver como un montón de gente ante esas situaciones pierde cualquier atisbo de racionalidad y son capaces de matar no por supervivencia, sino por seguir los designios de una perturbada, aunque lo realmente triste es que en el mundo real, lejos de la mente de Stephen King, estas cosas suceden, gente que sigue ciegamente a cualquier zumbado y hacen lo que se les pide, es por eso que la película asusta, porque refleja mediante la ficción un terror muy real.

A nivel técnico la película no es nada del otro mundo. Al hecho de que casi toda la acción transcurra en un mismo lugar se le añade que cuando no es así todo transcurre entre la niebla, lo que llega a dar sensación de monotonía. Los efectos especiales, empelados sobre todo con las criaturas que trae la niebla, son bastante mejorables, pues que se nota demasiado, en muchas escenas, el uso de la infografía. La banda sonora, por su parte, es muy aceptable, y cumple su función de integrarse dentro de las escenas, es decir, está ahí pero no roba protagonismo a la acción, sino que la complementa.

En conclusión, La Niebla es una película entretenida, aunque un poco larga, y que pese a la limitación de espacios los consigue sobrellevar. La película es muy recomendable para los seguidores del cine de terror que busquen algo más allá de clones de Saw o de la última de monosaurios voladores infectados y realizados con gráficos dignos de una Voodoo 3. Es una película con un mensaje claro, y aunque según se acerca el final se hace predecible, la última escena de la película es justo la que necesita. La Niebla posiblemente no sea un clásico moderno, pero es una muy buena opción para ir al cine y no sentirse uno como si tirara el dinero al water.

No soy un gran aficionado a los remakes, sobre todo cuando conozco la obra original, pero cuando no la conoces, estos refritos cinematográficos sirven para descubrir, a menudo, alguna buena película que no viste cuando se estrenó. Es el caso de Funny Games, del director alemán Michael Haneke, que decidió volverla a hacer, esta vez con actores americanos, diez años después de la original. Teniendo en cuenta que en 1997 mi edad me hacía ver películas como Independence Day (que me sigue haciendo gracia a día de hoy, que le vamos a hacer), aquella película no la llegué a conocer. Juzgando la versión de 2007 sin tener en cuenta su versión anterior, me ha parecido una buena película, que muestra hasta que punto la simpleza del ser humano puede ser mucho más aterradora que cualquier monstruo construido con efectitos y 3D Studio. Funny Games es una película que, sobre todo, transmite al espectador una sensación total de inseguridad, al ver como una situación aparentemente inocente puede acabar convirtiéndose en un infierno.

A nivel técnico la película tiene grandes aciertos, aunque cuando estos aciertos se reiteran hasta la saciedad se convierten en errores. Haneke juega a insinuar, en casi ningún momento vemos ninguna escena violenta explícita, todo se deja caer, o simplemente deja que el sonido nos cuente lo que ocurre mientras la cámara se sitúa fuera de acción. Este recurso en determinadas escenas es muy bueno, en otras, como una en la que Naomi Watts busca unos alicates, totalmente innecesario. Haneke, en un intento de ser lo más realista posible, usa planos secuencias muy largos, tan largos que se llegan a ser pesados pese al verosimilitud que transmiten. Destaca también la ausencia de banda sonora, y esta ausencia provoca, precisamente, una mayor sensación de agobio, puesto que los gritos, golpes, ocasionales disparos y demás estruendos, así como los silencios, provocan que el espectador llegue a agobiarse.

A nivel interpretativo, Naomi Watts realiza un buen papel de víctima, Tim Roth también, aunque los verdaderos protagonistas son Michael Pitt y Brody Corbet, que consiguen que dos pijos con flequillo americanos acojonen como ellos solos. El niño no lo hace especialmente mal, pero por suerte no tiene mucha presencia en pantalla, por lo que no se hace especialemente insoportable ni molesta al desarrollo de la película. Algo parecido sucede con el perro.

En conclusión, Funny Games es una forma diferente de pasar un mal rato en el buen sentido. Trata la temática de los psico-killer desde una perspectiva mucho más cercana y creible que otras producciones, y eso es lo que llega a acongojar al espectador, que cualquier chaval aparantemente normal puede convertir tu vida en un infierno en un momento y destruir todo tu universo. Por suete todo ello está bien narrado, lo que evita que la película se haga pesada. Como nota negativa, odio que los personajes hablen a cámara cuando no es una comedia, incluso en las comedias me chirría, pero esos momentos tienen un pase al lado del absurdo momento rewind cuando va llegando el final de la película, que aunque está bien porque juega con el espectador es un recurso bastante tramposo. Pero pese a todo, es una película muy recomendable ahora que llegan meses cargados de cine pachanguero, puesto que entretiene, no es lo de siempre y, por suerte, tampoco es una gafapastada.

Cuando en cualquier faceta de la vida uno espera demasiado, suele pasar, a menudo, que se acaba dando de bruces contra el suelo y lo que se obtiene no es lo que se pensaba. ¿Significa eso que sea malo? En absoluto, simple  y llanamente no cumple con las espectativas. Los espectadores solemos mal acostumbrarnos con facilidad, nos dan algo excelente y siempre esperamos que lo siguiente lo supere, pero eso no siempre es posible, y There’s no place like home part II es la peor finale de temporada de toda la serie. Carece de la tensión y la intriga de la de la segunda y la tercera, y además no se acerca ni de lejos al cliffhunger de la primera. Los flashforwards son un buen recurso para contar la historia de forma distinta, pero son un arma de doble filo, sabes como va a acabar todo, y aunque te cuenten la historia de forma excelente te condiciona, pero es que en este episodio, además de saber mucho de lo que iba a pasar, no está tan bien contado como podría haberlo estado.

Si nos centramos en lo que ocurre en la isla, casi todo es previsible, se veía venir desde el episodio anterior, o por detalles de los flash forward. El caso, las pocas cosas que no sabíamos no sorprenden. Comenzando por Sayid y Kate, que ayudan a Ben mediante un acuerdo con Richard para dejar la isla, y cómo un montón de Others destroza en cuestión de segundos a un supuesto grupo de mercenarios de élite con armas tan avanzadas como una bolea. Así tenemos ya solucionado el asunto del helicóptero, de una manera bastante fácil, a él vuelven Sawyer, Hugo y Jack tras otra converasción con Locke (al más puro estilo Man of Sciencie Man of Faith), en la que se revela que mienten por voluntad propia, por idea de Locke, por lo que las teorías de conspiración de Oceanic se vienen abajo por ahora. Desde el momento en el que están estos cinco (más Lapidus) en el helicóptero, sabes que Sawyer se va a tirar, aunque con se supone que espera que vuelvan a por él más tarde (con lo cual el susurro a Kate de que hago algo por el fuera está cogido con pinzas). El carguero iba a petar, ya lo intentó Michael en “Meet Kevin Johnson“, pero despúes de ver a Kaemy con su “walkman” y la cantidad ingente de C4, sabes que Sun se salva, y que el resto acaba mal. La muerte de Michael no sorprende, aunque me parece poco cruel que le reviente la carga después de que le diga Christian Shepard (que parece el medium de la isla) que se puede ir. Sobre la “muerte” de Jin, muy emotiva la actuación de Yunjin Kim, pero un personaje principal no puede morir sin más, a lo lejos y junto con un montón de extras (que en este episodio demuestran ser subnormales cuando corretean en la cubierta al aviso de bomba), mientras no hay cadáver hay esperanza. De toda esta parte lo más interesante es saber que pasaba con Desmond, porque en el futuro no sabemos nada de él, pero consigue salir. Una vez están los Oceanic Six en el helicóptero van a la isla pero…

… lo que nos anuniaron en “Cabin Fever” se cumple. Para llegar a ello, Ben y Locke bajan a la Orquidea, como dice Ben, otra estación para hacer experimentos estúpidos. Antes de que puedan hacer nada llega Keamy, al que pese a las advertencias de que si muere el barco vuela, Ben se queda a gusto con él a base de navajazos por lo que le hizo a Alex. Y claro, barco fuera. Manda a Locke con Richard y su gente, y aparentemente se convierte en su líder. Mientras Ben, realiza uno de los guiños, intencionados o no, más evidentes a las aventuras gráficas que he visto en mi vida. Desde lo de reventar la cabina de viaje temporal usando objetos de metal, hasta cuando se rompen las escaleras y cae. La habitación helada en la que entra puede considerarse clave a partir de ahora para la mitología de la serie. Una habitación antigua, con símbolos grabados en la pared, construida en piedra, y con una rueda, rueda que al empujarla (usar palanca con timón helado) hace que la isla se mueva, aunque no sabremos a dónde. Ben sabemos que aparece en Túnez, pero no sabemos que es de Sawyer, que llega a la playa junto a Juliet (personaje desaprovechado esta temporada como pocos), ni de Charlotte (quien está en la isla buscando sus orígenes), ni de Richard y su grupo. Mención aparte para Faraday y los extras, que se quedan en la lancha aparentemente en tierra de nadie.

La parte presente se termina con el rescate de la balsa salvavidas de los del helicóptero. Un barco tripulado por portugueses, que lleva a alguien especial a bordo, lleva a Penny, y por fin se produce el reencuentro entre Desmond y ella, la única historia de amor real de la isla, y consigue ser realmente emotivo, casi tanto como la llamada telefónica en “The Constant“. Hay quien dice que es un poco forzado que sea ella quien los encuentre, pero que más da que sea forzado si el resultado en pantalla es excelente. Aunque claro, en esa escena está Jack para cortar el punto y montar la farsa de los Oceanic Six.

En el futuro (¿a partir de ahora presente?) retomamos justo dónde nos dejó el final de la genial finale pasada, Throught the looking glass, con Kate dando la vuelta ante  los berridos de Jack y diciéndole que después de lo que le ha costado olvidar va a volver la isla Rita, y menos porque lo diga un tal Jeremy Bentham… reaparece Walt, que ahora que ha crecido parace el clon de Carlton de El Príncipe de Bel Air, y habla con Hurley, con lo que se plantea una posible vuelta regular del personaje a la serie, lo cual sería de agradecer, ya que parece que nos hemos librado de su padre y no tendremos que oír como chilla constantemente su nombre. Sin dejar a Hugo, Sayid viene a por él, mientras juega con una silla vacía al ajedrez a la que llama Mr. Eko. Kate en su casa también lo flipa un poco, cuando en sueños ve a Claire y le dice que ni se le ocurre traer de vuelta a la isla al churumbel. Sí sorprende que ahora Sun vaya de jefa por la vida contactando con Widmore, quien por cierto, se ha echado de menos que éste tuviera más peso en el episodio. Al final tenemos a Jack, en el tanatorio viendo al muerto, por donde aparece Ben a decirle que tienen que volver todos, y vemos que el muerto es Locke. Y a partir de aquí quedan meses de especulación y teorización.

Mi impresión personal sobre el episodio es que es bueno, en tanto en cuanto ata cabo y da respuestas, pero nos lo han ido dejando todo tan planteado durante toda la temporada, que casi todo es predecible, la tensión brilla por su ausencia en la mayoría del episodio, los momentos aparentemente emotivos, como la despedida de Sawyer y Kate, se quedan en poca cosa. La muerte de Jin está genial por parte de Sun, pero no hemos visto un último momento  de él, que le habría dado mucha más fuerza. Que desaparezca Michael personalmente me parece una bendición, en la segunda fue insoportable, siendo el peor personaje de la serie, y en esta todavía no tengo muy claro porque volvió, pero ahora está como Luca Brassi, durmiendo con los peces. Jack demuestra que a cabezón no le puede nadie una vez más, aunque su contrapunto en el flashforward demuestra que está atormentando y que la culpa le consume, lo que es una perspectiva muy interesante para el personaje. El episodio ha sido tan correcto que no se que decir, pienso en lo que vi y no recuerdo más momentos memorables que el reencuentro de Desmond y Penny, y como mueve la isla Ben. There’s no place like home part II parece un punto y aparte en la serie, las preguntas que deja en el aire son tan amplias que pueden hacer lo que les apetezca, es casi como volver a empezar, han cerrado una gran parte de la historia, y ahora nos van a contar otra distinta pero consecuencia de ésta. Cuando las series llegan a este punto, lo que podría ser su conclusión lógica, se corre el riesgo de que lo nuevo se resienta, le pasó a Expediente X a partir de que desaparece el sindicato y se aclara la historia de Samantha, y si en Lost no consiguen mantener un nivel similar a lo visto, puede que incluso su público fiel empiece a cansarse de la serie. Lo mejor de tener un final tan cerrado, es que la próxima premiere tienen la posibilidad de impactarnos otra vez, y no ver un montón de mangos como sucedió en esta. La temporada se cierra como se abrió, con un bajón para muchos espectadores, pero mucho de lo que ha ido en medio, ha sido simplemente sublime. Todavía quedan muchos meses, pero según lo que nos depare el futuro, podremos ver si esta finale descafeinada ha merecido realmente la pena.

Este año se realizó una quedada en Madrid (otra en Barcelona) para ver la finale de la cuarta temporada de Lost. Comentando cosas con un par de compañeras del foro (Maya y Su), hablamos de hacer intentos de testimonios chanantes de personajes de Lost, y así surge este video, que tiene poco de original pero que une mis dos “shows” televisivos actuales, que son Lost y Muchachada Nui (lo que he hecho es un vil plagio, pero a falta de arte para algo más… xD). Ya comentaré la finale en profundidad, pero actividades como las Lostkhana o quedar para la finale hacen de lostzilla algo más que una página con un foro.

Espero que os haya gustado, si no lo siento, el audio es regulero porque no tengo micro de corbata y aparte tuve un par de problemas con la grabación.

Cuando una saga se deja de lado durante casi 20 años, la expectación que se genera con el anuncio de una nueva entrega es brutal. Ocurrió con Star Wars y el episodio fantasma. Con la  que nos ocupa, la cuarta entrega de Indina Jones, no ha llegado a tal grado de histeria colectiva, y por suerte, no ha sido tan perniciosa como aquel aborto cinematográfico que parió Lucas a finales de los 90. Para los que crecimos viendo al Dr Henry Jones Jr. tenerlo de vuelta es una suerte en parte, es como reencontrarte con un viejo amigo, por el que los años han pasado, pero que sigue manteniendo su esencia, o gran parte de ella.

Indiana Jones siempre ha sido una saga de aventuras, acción y humor, nada más y nada menos. Es un personaje clave en el cine de los años 80, que durante tres películas encarnó la imagen del aventurero comprometido a la par de seductor que sobrevive a mil y un peligros. En Indiana Jones … sigue siendolo, pero los años pasan, y cada vez se parece más Henre Jones I. Es la evolución lógica del personaje, y en ese sentido es de agradecer. La cinta recuerda más a El Templo Maldito que a El Arca Perdida o La Última Cruzada, aunque la sensación al salir del cine es que sin ser una película le ocurre lo mismo que a  El Padrino III, que siendo buena no está a la altura del resto de la saga.

Gran parte del atractivo de la primera y la tercera película es que los nazis están buscando objetos de la mitología judeo cristiana para llevar a cabo sus planes, eso los convierte en enemigos claros. En esta ocasión la acción se sitúa en plena guerra fría, y los rusos como malos siempre han sido poco carismáticos, aunque Cate Blanchett se sale del papel, consiguiendo ser la mejor mala de la saga después del Mayor Arnold Toht. La trama casi parece un episodio de Expediente X, recuperación de cadáveres extraterrestres, el Area 51, Alan Dale haciendo de alto cargo dentro del gobierno…  Coincendias aparte,  las Calaveras de Cristal no son un elemento tan reconocible como podría serlo el Grial, es como las piedras del Templo Maldito, algo que el gran público desconoce, y aunque algunos piensen que el MacGuffin no es importante, si lo es, sobre todo si lo van enseñando desde el principio de la película.

Los personajes está bien en general, Indiana ha madurado algo pero sigue siendo tan genial como siempre, a Marion no le han sentado demasiado bien los años, Irina Spalko (el personaje de Blanchet) cumple de sobra con su función, y Shia LaBeauf es sin lugar a dudas el gran desubrimiento de la película. El chaval ya había hecho un buen papel en Transformers, pero aquí lo borda,  hasta el punto de que se convierte en la gran esperanza para una hipotética quinta entrega. El resto pasa sin pena ni gloria, desde el típico suboficial mazado, al compañero que le traiciona. Luego está Oxley, que no llena como lo hacía Connery pero que cumole la función de arqueólogo cuyas pistas sigue Indy para lograr su objetivo.

La estructura narrativa es similar al resto de la saga, así que en ese aspecto nada que objetar, aunque la última parte de la película se excesivamente pesada y falta de ritmo, es un continuo corretear carente de diálogos. En lo que sí se las ha ido de las manos es en la exageración de situaciones. La escena de la nevera es inverosímil como ella misma, es de las mayores fantasmadas que recuerdo, mucho más que aquella vez en que Jason Statham desvió un proyectil con una bandeja. El uso de efectos digitales es exagerado en algún que otro momento, aunque se agradece que no se abuse de ellos, por suerte no es una película rodada en un croma casi todo el tiempo, como pasa con las últimas de Star Wars. La banda sonora, pues más de lo mismo, John Williams lleva lustros copiándose a sí mismo, y aunque las piezas encajan bien en la cinta, suenan a repetido.

Indiana Jones … posiblemente no pase a la historia como la mejor de la saga, pero es una buena película, y se agradece que hoy día se realice una cinta en la que lo que priman no son los efectos y el montaje frenético. Además consigue que pese a ser una cuarta entrega no se haga pesada ni sea una patada en el estómago al resto de la serie, como ha ocurrido en más de una ocasión con otras sagas. Habrá quien diga que esta cuarta parte no era necesaria, que estaba bien cerrada la historia con La Última Cruzada, pero este tipo de historias, que recuperan personajes, nos hacen verlos de otra forma. Que Harrison Ford no sea el centro de todas las escenas de acción no es tan terrible, podría haber sido peor, podrían convertir la franquicia en algo tipo James Bond, dónde el personaje cambia de actor cada dos por tres y dónde se pasan la coherencia y la continuidad por el arco del triunfo, pero gracias a Spielberg y Lucas, no es el caso.

A principios de 2007 lostzilla organizó un concurso de vídeos sobre la serie. Mi idea original era rodar un corto centrado en la historia de algunos de los extras, esos personajes que se dedican a llevar leña de un lado a otro y poco más, pero que son un filón para desarrollar fan-fics. Pese a tener localizaciones y medios no encontré actores, así que decidí recurrir a unos que no se quejarían nunca y se dejarían dirigir sin problemas, los Playmobil. Así surge Lost Moments Desmond, que recrea algunas escenas del escocés muñeco en mano, sin hacer uso del stop motion en ningún momento. Los Playmobil volverán algún día, pero hasta entonces queda aquí lo que podría considerarse mi primer “intento de corto”, antes de realizar “The Ultimate Battle in The Comic Shop“.

Podría recurrir a un montón de tópicos y frases hechas para describir un episodio que precede al desenlace de una historia, en este caso una temporada, incluso cuando el mismo puede ser considerado parte de ese mismo final. Es una primera fase de introducción sosegada que prepara al espectador para lo que está por venir, pero que lejos de buscar una especie de excitación desorbitada, busca una calma tensa que alude incluso a la sensibilidad del espectador. “There’s no place like home, Part I”, es un claro ejemplo de todo lo anterior. Todo el episodio está encaminado a situar a los personajes en el lugar del tablero donde deben estar para la finale, pero no se queda ahí, no se limita a ser un mero episodio distribuidor, sino que nos muestra una vez más que un flashforward (lo mismo que un flashback) cuando es coral tiene muchos más puntos de ser interesante que algunos centrados en un solo personaje. Vuelve también la importancia de la música, y lo  importante que es junto con el montaje (eso que tan rara vez se aprecia como merece) y que en muchas ocasiones es más importante que los propios actores en una escena.

Si hay un episodio equiparable a “There’s no place like home, Part I” es sin duda “Exodus, Part I”, en aquella ocasión, además de repartir personajes por la isla, vimos como muchos acabaron el vuelo 815, el punto de inflexión que les hizo acabar en la isla. En esta, vemos otro momento clave, lo que para muchos podría haber sido el final feliz que una serie como Lost no debe tener, los supervivientes volviendo al mundo “real”, al menos seis de ellos. Y ahí es cuando el ritmo del montaje y la música son esenciales. Conocemos de sobra el pasado de los personajes, conocemos a sus familias, por lo que una moñez de reencuentro puede ser especial si está bien narrado audiovisualmente. Emotividades a un lado, vemos como llegan los Oceanic Six y como mienten sobre lo que sucedió, aunque todavía desconocemos porque lo hacen. Mención especial a que los periodistas hagan preguntas sensatas y no se les trate como subnormales, es de agradecer, a ver como arreglan luego los guionistas las diferencias entre lo que cuentan aquí y lo que declaró Jack en el juicio, en “Eggtown”.

Tras la rueda de prensa tenemos uno de los momentos mas emotivos y que representan una de las mejores historias sentimentales de  la serie. Sayid lleva años buscando a Nadia, fue su búsqueda lo que le llevó a Australia, fue su búsqueda lo que le llevó al avión, y cuando por fin se reencuentran, el espectador asiste a uno de los momentos más auténticos de la serie, el final de una odisea personal, algo así como lo que sucede con la conversación telefónica de Desmond en “The Constant”. Pero claro, aquí ayuda saber como termina Nadia, ayuda saber que Sayid nunca podrá ser feliz para siempre, ya le pasó con la pobre Shannon (de la que casi nadie se acuerda), y la historia se repite con Nadia, sabiendo todo esto, ese momento de felicidad para uno de los mejores personajes de la serie y que no siempre tiene el protagonismo merecido, es realmente especial.

En general toda la historia fuera de la isla es bastante agradable, los Oceanic Six antes de que su decadencia les haga querer volver a la isla, trabajar para Ben, o cualquier otra cosa. Entre los momentos no relajantes están la acción de Sun de comprar parte de las acciones para controlar la empresa de su padre, a quien culpa de gran parte de sus males. Vuelven también los números, además de la forma que los conocíamos siempre, en un salpicadero, y ahí se deja entrever que Hurley no podrá dejar a un lado nunca su pasado. Y bueno, por fin Jack se entera de que Claire era su hermana, que aunque no sea algo determintante para terminar como termina, sin duda le impacta.

En la isla todo es un ir y venir que parece al principio que la salida será fácil, y terminas viendo que a ver como juntan a los seis en las dos próximas horas de la serie. Jack va hacia el helicoptero con Kate, aunque se cruzan con Sawyer y acaban yendo juntos. Sayid llega, y viendo que Jack se ha ido va  por él con Kate, mientras Faraday empieza a dar viajes de reparto, llevandose a extras (futuros fiambres, fijo) y a Sun, Jin y Aaron. En el barco Michael cuenta como salieron, arreglan el barco, pero hay interferencias, básicamente por culpa de explosivos a cascoporro…  y Hugo, Ben y Locke, después de mandar señales a distancia llegan a La Orquidea, donde se supone moverán la isla, que está sitiada por Keamy y sus colegas los mercenarios mangurrianes… al final Kate y Sayid son interceptados por el grupo de Richard y Sawyer y Jack van a por Hugo después de ver a Lapidus… todo listo para que empiece la finale de verdad.

Concluyendo, “There’s no place like home, Part I” debería juzgarse dentro del todo y no como un episodio suelto, puesto que le faltan 3 partes, aunque como episodio individual sigue la tónica pre-finale de toda la serie, momentos emotivos, como cuando el año pasado intentaron que nos diera perna Charlie, y distribución de personajes y situaciones. Es claramente un episodio de tránsito, necesario para encarar lo que viene, pero llama mucho la atención el hecho de que para ser de tránsito, su visionado sea mucho más ligero, entretenido, y agradable, que varios episodios de los que hemos visto a lo largo de la temporada. Por cierto, Sawyer y sus frases geniales, han vuelto.

Es innegable que gracias a la película de X Men en el año 2000 se inició una nueva era en el cine basado en cómics. En los 70 la clave fue Super Man, a finales de los 80 el gótico colorista Burton marcó un momento importante con Batman, los 90 fueron años oscuros (sobre todo por culpa de patanes como Joel Schumacher), pero pero por suerte todo eso pasó y se inició la gran época de súper héroes en pantalla, o no. Lo cierto y lo real es que las adaptaciones de Marvel han dejado bastante que desear, sobre todo por “joyas” como la saga Spiderman, que se diferencia de los telefilmes setenteros en el presupuesto,  por no citar engendros como X Men 3. Pero al final de la travesía había luz, ha tenido que ser la propia Marvel quien produzca algunas de sus licencias para poder sacar algo decente, como es el caso de Iron Man.

El cómic protagonizado por Tony Stark nunca ha sido uno de los buques insignia de la empresa, es cierto que siempre ha gozado de cierta popularidad, pero está en un segundo plano, como casi todos los Vengadores. Pero esto se debe sobre todo a preferencias del público, puesto que Tony Stark es un personaje apasionante y bastante más complejo y carismático que el llorón de Peter Parker. Pero dejando comparaciones a un lado, Iron Man es una película entretenida que cumple bien su función, no pretende ser el Padrino IV, pero su fin lo cumple con creces. Puede parecer fácil que una película en la que hombres con trajes robóticos vuelan sea entretenida, pero no hay más que ver cosas como Superman Returns para darse cuenta que no basta con cosas que vuelen.

La gracia de le película está en que, pese a adaptaciones lógicas, se respeta en gran medida los orígines del personaje, algo así como sucedía en Batman Begins, de hecho, hay quien considera a Stark algo así como el Bruce Wayne de Marvel, aunque se parecen en que ambos son héroes que se han construido a sí mismos y están podridos de pasta. Es de agradecer que veamos cierta evolución en el personaje, y no solo en su traje, en gran parte gracias a Robert Dawney Jr, que borda el papel. Los secundarios también realizan bien su función, desde Gwyneth Paltrow transmitiendo TSNR (Tensión Sexual No Resuelta) hasta Jeff Bridges haciendo de empresario sin escrúpulos que intenta medrar a toda costa. Mención especial para Terrance Howard por el guiño a la posible aparición en una secuela de War Machine. El guión no es profundo ni tiene pretensiones de serlo, para eso ya están las películas de gafapastas, pero esta bien contado y no cae en situaciones que van en contra de lógica del personaje.

En conclusión, Iron Man se presenta como la primera película de una nueva oleada de producciones de Marvel que pretenden conformar un universo en el cine tal cual lo tienen en papel. Visto lo visto, si las películas de Hulk, Thor y el Capitán América consiguen alcanzar el nivel de Iron Man, podremos olvidar los abortos de Spiderman y esperaremos con ansia una película coral que no nos devuelva el buen sabor de las dos primeras entregas de X Men. El camino de Los Vengadores (o The Ultimates, según ser mire) ha comenzado ya, y a Marvel puede volver a salirle un negocio redondo no solo en taquilla, sino en satisfacción del consumidor.

El tiempo y su percepción son relativos… lejos de meternos en estos temas que tan de actualidad están en Lost, me vengo a referir en lo largo o lo cortos que se te pueden hacer 40 minutos. La semana pasada, con “Something Nice Back Home” cuarenta minutos parecieron 3 días sin comer, mientras que con el undécimo episodio de la cuarta temporada de Lost, “Cabin Fever”, cuando ves que termina el episodio parece que solo hubieran pasado diez minutos. No es algo exclusivo de las series, ni del cine, cuando uno está ante algo que le agrada, el tiempo vuela. Llevo toda la temporada clasificando por géneros, para este no encuentro una calificación apropiada, de hecho, la única forma que se me ocurre para clasificarlo es como de Lost puro y duro. No importa que John Locke esté como una regadera, sus episodios, como los de Desmond o Ben, suelen ser geniales, y este no es una excepción.

“Cabin Fever” es tensión pura y dura, durante todo el episodio estás espectante a ver la siguiente escena, saber que va a pasar. Incluso con el arranque inusual, nos pasamos todo el tiempo preguntandonos que es lo siguiente. Empezando fuerte, por el flashbacks, tenemos la confirmación de que Locke es especial, y que estaba destinado a terminar en la isla. Para ello vemos una de las primeras sorpresas del capítulo, Richard Alpert estuvo en el hospital cuando John nació, y por supuesto seguía igual de joven que siempre. Vemos que lo intentó reclutar, que quiso ver si era especial, si era alguien que es o fue, pero Locke falló, y ahí se confirma que su vida sería miserable hasta el momento en el que pisa la isla. Se nos confirma que ya era patético en el instituto, dónde la isla le volvió a llamar, y volvió a no ir. El último fragmento nos lo muestra ya tullido, y vemos a Abaddon, el reclutador los protagonistas de “Confirmed Dead”, y terminar de despejar dudas de dónde tiene que acabar. No voy a entrar a especular sobre bandos, reencarnaciones, niños muertos vestidos de payaso ni demás parafernalia, este episodio es grande porque recupera aquella bonita costumbre de meternos en flashbacks personajes que conocemos pero los personajes no, como pasó con Christian Shepard (luego iré con este que tiene tela) en los casos de Ana Lucía o Sawyer. Son viejos detalles que de vez en cuando se agradecen.

En el carguero se monta, hablando mal y pronto, un pifostio del copón. Keamy es un cabronías, el actor que se han buscado lo borda (menos mal que no han puesto a Adam Baldwin, en el momento que un Baldwin pisa una serie, la producción se jode). Hay mucha gente a la que la trama del carguero le parece cogida con pinzas, a mí me gusta. Keamy es un mercenario tocado del ala, que tiene sed de sangre y se divierte pegando tiros, le da igual matar a quien sea para cumplir el objetivo, y si el capitán se le pone farruco, que va a hacer el pobre muchacho, tendrá que matarlo, no va a dejar que un piloto buenazo se salga con la suya y no los lleve a la isla para que la pongan patas arriba. Genial Desmond, que se queda esperando a Penny y que no piensa volver a pisar la isla. Hay quien lo acusa de egoísta, yo más bien creo que es alguien que se preocupa por sí mismo y con razón, ha estado viviendo 3 años con un tío en un bunker pulsando un botón, está relativamente cerca de volver a ver al amor de su vida, y no ha vivido tanto tiempo con los supervivientes como para tener la relación que tiene por ejemplo Sayid, así que no veo tan raro que mire por sus intereses. Sayid es otro grande, siempre lo ha sido, y como convence al capitán para ir al rescate. Lapidus también intenta ayudar a su modo, pero ya podía poner un post-it en el iPhone para que el grupo de Jack no vaya a buscar una muerte segura…

El meollo del episodio está en lo que ocurre en la isla con Ben, Hurley y Locke buscando la casa de Jacobo. Vuelven los sueños con muertos, ya le ocurrieron con Yemi, el hermano de Eko al que no conocía de nada, así que tampoco es para tanto que ahora vea a Horace, muerto en la purga, y le de indicaciones, es algo que lleva presente mucho tiempo en la serie este tipo de apariciones. Y siguiendo lo que le dicen, una vez más, Locke encuentra la fosa común de la purga, y un mapa en el cadáver putrefacto de Horace que le lleva a encontrar la cabaña. Hugo y Ben se quedan fuera, este último ya no se siente especial, y gracias a ello tenemos un entrañable momento en el que los dos comparten una chocolatina. Con Locke ya dentro de la cabaña seguimos sin ver a Jacob, dentro está Christian Shepard actuando como el Metatrón en Dogma, habla en nombre de Jacob, pero lo más sorprendente no es ver al padre de Jack allí, si no a Claire, con una cara de drogada que no puede con ella, es de las pocas veces que este personaje consigue llamar realmente la atención en muchos episodios. Y bueno, para acabar el episodio, la frase de la semana, para salvar la isla hay que moverla… no, si al final acabará siendo Krakoa y veremos a la segunda generación de hombre X en acción.

Concluyendo, “Cabin Fever” es uno de esos episodios que no deja indiferente, y que sin dejar todo lo que se ha avanzado en la narrativa tiene cierto regusto clásico pero con estilo, retoma elementos y es capaz de salvar a un personaje que deambula como pollo sin cabeza. Este episodio es tensión pura y dura, te mantiene pegado al asiento, y plantea las 3 horas de la finale de forma magistral. También es de agradecer que hayan vuelto a aparecer los del carguero, y que todo este listo para un final potencialmente genial. Sea como fuere, puedes ver este episodio dos veces seguida que se te hará menos pesado que ver la mitad del anterior, es lo que tiene que algo consiga conectar con el espectador, y sobre todo, mal que le pese a muchos, que el verdadero protagonista de Lost, esté de vuelta, no importa que no sea el personaje que más flash lleve, el nos demostró hace más de 3 años que era Lost, y con este episodio nos lo ha vuelto a demostrar.

Es cierto que durante toda la cuarta temporada de Lost, casi todos los episodios invitavan a ser encuadrados en un género concreto. Ahora, con el décimo episodio “Something Nice Back Home”, le toca el turno al folletín novelesco decimonónico, aunque para ser más concretos a su versión actual, el culebrón televisivo. Que Lost es una serie de personajes es evidente, que ellos son más interesantes que saber si el humo negro son flatulencias de Jacob también, pero hay veces que los personajes y las subhistorias están tan trilladas, que aburren a las ovejas. Los triángulos amorosos siempre han dado mucho juego, pero cuando se prolongan eternamente con la chica en el papel estelar de pelota de tenis, no hay quien los aguante. De todas formas, “Something Nice Back Home” aunque aburrido y lento, es necesario y nos hace comprender en cierta medida el porque de lo que vimos en la genial finale de la tercera temporada.

El problema del capítulo de esta semana no es que si lo pones en La 1 a las cuatro de la tarde de el pego, el problema es que es la confirmación definitiva de que el personaje de Kate ha pasado oficialmente a ser la mujer florero, lo cual es absurdo, es como vestir a Xena de Barbie… no cuadra y queda ridículo. Kate ha quedado para ser el premio del macho de la manada, ya sea Jack o Sawyer, el personaje ha sufrido una degradación absoluta, una representación más del intento de familia feliz que siempre nos ha querido vender Estados Unidos. Es cierto que el personaje ha evolucionado, de ser un culo inquieto a no querer huir, pero una cosa es no querer huir y otra muy distinta ser aspirante a Carol Brady. Que lejos quedan los tiempos en los que ella era quien llevaba los pantalones en la isla y que hacían temblar al mismísimo Machete… que pena da verla en plan Topacio.

Con este episodio ni me molesto en separar acción isleña del flashforward, casi todo gira en torno a Jack. Mathew Fox es de los mejores acotres de la serie, y Jack es uno de los personajes importantes de la serie, teniendo esto en cuenta, cuesta entender porque es él quien más capítulos acapara en el total emitido hasta ahora cuando en muchas ocasiones cosechan una crítica irregular, no hay más que recodar el nefasto 3×09. En “Something Nice Back Home” volvemos a ver a Jack en la misma situación que lo hemos visto un gritón de veces, parece feliz y contento con la chica que quiere, pero claro, como es un celoso neurótico lo tiene que echar todo a perder. Por lo menos esta vez es en el futuro y por fin logra tricotarse a Kate, que ya iba siendo hora.  Nunca me ha gustado esta opción como pareja, pero si significara dejar cerrado el triángulo por un tiempo la daría por buena, pero al final del episodio vemos que sigue ayudando de alguna manera, desconocida por ahora, a Sawyer, por lo que para que cerrar temporalmente cuando se puede seguir con el juego dos temporadas más.

Jack siempre ha sido un personaje obsesivo, alguien que siempre ha buscado tener el control de su vida pero que vivía a través de los designios de su padre, y cuando hizo algo por cambiarlo, ese cambio terminó por destruirlo en cierta medida. En este capítulo vemos que no importa la situación, Jack no consigue cambiar, su padre, o lo que sea que representa a su padre, le persigue. Por todo ello entendemos su desesperación en la finale de la tercera, porque ve a su padre, porque sabe que dejó atrás a su compañero, porque no es capaz de estar con la persona que ama… por eso quiere volver a la isla, porque se supone que no debía salir de allí, y porque quiere intentar encontrar una paz real haciendo lo que siempre ha sabido hacer, arreglar errores, muchas veces, los suyos propios.

En el presente isleño casi nada ha destacar, una aburrida operación de apendicitis de Jack para darle billete de salida, y la desaparición de Claire con papá Shepard de repente, sin más. Si hay que sacar una conclusión de “Something Nice Back Home” es que es un episodio que no pasará a la historia de Lost como “The Constant”, ni siquiere llegará a ser recordado como un episodio agradable de ver y que explora aspectos desconocidos de los personajes, “Something Nice Back Home” es un episodio lento, aburrido, pero necesario. En fin, parece que ya es norma que tras un gran episodio vaya un episodio mediocre, no por comparación con el anterior, sino por méritos propios ganados a pulso.