La trama es más bien simple. Los protagonistas son unos prófugos de la  justicia yanki que se instalan a vivir en Brasil y ahí los lían para hacer un robo y se empieza a liar parda. Tanto que para parar a Vin Diesel y su equipo de gente supuestamente molona tienen que mandar al poli más duro que haya existido jamás, The Rock (el nombre del personaje es secundario, es el puto The Rock). A fin de cuentas es una historia de traiciones, enfrentamientos y alianzas imposibles, pero lo que consigue esta película es que su pobre guión no sea impedimento para que sea disfrutable.

Lo importante de Fast & Furious 5 es la acción, que está extrañamente bien llevada a cabo, con detalles como que los coches ya no son, excepto casos concretos, de niñatos poligoneros. La violencia armamentística es correcta. El único pero en este aspecto es la pelea entre Vin Diesel y The Rock, rodada cual Michael Bay con parkinson. Cuando tienes en tu película un tío que le sacó las castañas del fuego (junto con Stone Cold Steve Austin) a la WWE no hace falta que muevas la cámara como si tuvieras un ataca de hidrofobia, deja que un tío que se ha pasado media vida improvisando coreografías se luzca.

El reparto es correcto, aunque protagonista y antagonista están muy por encima del resto. Estaremos deacuerdo en que no son ni Pacino ni DeNiro, pero en su registro son de lo mejor que hay, para ser mazacotes son expresivos. Los secundarios en general bien, destacando positivamente a Gal Gador y muy negativamente a la pésima, una vez más, Elsa Pataky, cuya falta de registro y de movimiento facial convertiría a Chuck Norris en histriónico.

En conclusión, una película muy entretenida y que no se hace nada pesada, en la que lo que prima es lo visual y en la que el contar con estrellas del género supone una diferencia cualitativa y no un simple reclamo. Además, cuenta con el honor de ser, posiblemente, la primera vez que una quinta entrega de una saga queda muy por encima del resto de la franquicia y consigue relanzarla desligándola de la imagen de marca anterior

Me parece muy bien que a los autores de “no hay campo pa los viejunos” les apeteciera hacer un western, a quien no, yo mismo sueño con ponerme un poncho y una placa de hierro. Ahora bien, podían haber hecho algo original, o al menos una adaptación que no hubiese sido ya llevada con éxito a la gran pantalla, porque ahora pasa lo que pasa, que la comparación es inevitable y sale apaleada. Los Coen han realizado una película lenta, lineal, monótona, poco original, pretenciosa y que utiliza recursos tan pobres y desfasados como la voz en off para poner en situación al espectador. Han eliminado cualquier parte de comedia, los únicos momentos de ésta índole recaen sobre El Nota (aka Jeff Bridges), porque básicamente es El Nota en el Far West. Los secundarios han sido vilipendiados, marginados e incluso eliminados. Y aunque parezca una tontería, los momentos de comedia con secundarios como Chin Li o el abogado hacían de la versión de Wayne algo mucho más ameno, puesto que constrastaba la épica y la dureza con momentos en los que el espectador se podía relajar. Hablando de dureza, los Coen se centran en el efectismo de la violencia explícita o la sobreexplicación, mientras que Hathaway conseguía transmitirlo mucho mejor con un simple niño vendiendo cacahuetes en una ejecución que levantaba pasiones dignas de la Super Bowl.

Si en la dirección y el guión pierden los Coen, el reparto también pierde, pero sobre todo por el protagonista. John Wayne es el actor más grande que ha pisado jamás el oeste, junto con Clint Eastwood, Jeff Bridges está correcto, pero ni es su mejor papel ni le huele las botas a Wayne. Matt Damon está bien, pero como su personaje ha sido mutilado por los Coen, pues poco puede hacer el buen hombre. Donde si han acertado es en la elección de la nueva Mattie Ross, única mejora evidente del reparto, aunque era fácil superar a la anterior. Tema aparte son los papeles que hacen Robert Duvall y Dennis Hopper, que no tienen ni punto de comparación con los modernos. Por cierto, se supone que en el cartel sale en grande Josh Brolin, pero debe aparecer como medio minuto o así.

En definitiva, como amante del western (sobre todo de Ford y Leone), esperaba mucho más de los Coen. Si el género está más muerto que vivo, si desde Sin Perdón no ha levantado cabeza, si desde entonces hemos tenido que aguantar truñazos como Maverick, Rápida y Mortal o Cuatro Mujeres y un destino, uno esperaba de unos tipos tan presuntamente talentosos si no una revolución, si algo que por lo menos dejara una impronta, cosa que no consiga en absoluto, por muchas nominaciones al Oscar que tenga.

Clint Eastwood es muy grande, que digo muy grande, es grandérrimo. Como actor es el mejor en lo que hace, cierto es que solo sabe hacer de tío duro, pero es el mejor tío duro que ha dado la historia del cine. Es como Antonio Resines, que solo sabe interpretar a hombres que chillan, pero nadie consigue acercársele ni de lejos en ese registro. Muy a mi pesar, hace tiempo que Clint colgó el poncho (aunque Gran Torino es un Western encubierto), y ahora dirige películas a cascoporro, la última de ellas Más allá de la vida.  Una película bastante aceptable, algo lenta, muy pausada, muy de personajes que se dice, con la típica banda sonora de Clint (ahí no es nada grande, lleva usando los mismos acordes desde Sin Perdón), realmente no es una obra maestra, salvo por unas escenas que por sí mismas merecen un Óscar, las del curso de cocina de Matt Damon.

El pobre Matt Damon es un tipo raruno, su personaje parece sacado de un episodio de Embrujadas, habla con los muertos, y por ese superpoder suyo resulta que es asocial, porque, pobre de él, nadie le comprende. Así que ni corto ni perezoso, para arrimar cebolleta se apunta a un curso de cocina (lo del símil hortofrutícola no es casual). Una buena amiga mía ha tenido siempre a bien decirme cosas tales como “apúntate a un curso de cocina o algo, que ahí se conoce gente”,  y quizá por ello esta parte de la película me parece tan sublime. Toda la subtrama de cómo Matt Damon conoce a Bryce Dallas Howard (Gwen Stacy en la putrefacta y cancerígena Spiderman 3), es tan real, tan creíble, resume tan bien el patetismo de la torpeza al ligar, de no captar mensajes y de querer saber más de la cuenta, que solo me queda aplaudir. Y aunque en principio el aceirto sería del guionista, Peter Morgan, lo cierto es que es la dirección de Clint la que hace que todas las escenas de esta parte sean llamativas. Hay un plano de Matt Damon de espaldas que transmite sobradamente quien es fueron los maestros de Eastwood.

En conclusión, la película en sí es entretenida pese a su lentitud, agradable de ver, bien realizada y demás, pero sin la parte del curso de cocina para mí se quedaría en una película más de la que pasaría al cuarto de hora de verla. Habría que darle un guión de Kevin Smith a Clint Eastwood, seguro que él sería capaz de convertir Mallrats en una película de Óscars.

El guión de la película es bastante bueno. Primero porque los diálogos están bien trabajados, y el aspecto jurídico de la trama está al servicio de la historia. Segundo porque pese a ser una película conversacional no aburre. Y tercero, porque pese a tratar temas de altas finanzas en algún momento,  los personajes transmiten bastante. La rodea también cierto halo de cotidianidad que hace que todo parezca más cercano de lo que pudiera parecer en un primer momento. La historia de cómo Mark Zuckerberg creó Facebook, de cómo fue tomando ideas, y de a cuantos puteó es la mar de interesante.

El reparto realiza un muy buen trabajo. Y eso que pensaba que al estar por ahí en medio Justin Timberlake aquello no iba a haber forma de cogerlo, pero resulta que el papel que realiza y la manera en que lo interpreta le vienen que ni pintado, así que salvado el principal escollo, poco que decir del resto. Jesse Eisenberg muestra un perfil más serio que el que presentaba  en Zombieland. Ronney Mara sin embargo no consigue llegar más allá del pavisosismo que ya se viera en el remake de Elm Street.

En conclusión, Fincher ha logrado una muy entretenida película a partir de libro basado en hechos reales. Consigue cierta complicidad con el espectador que a su vez es usuario de Facebook con escenas en las que el usuario puede verse plenamente identificado, de un modo natural, sin melodramas ni paridas del estilo. Es más, un par de secuencias son muy reconfortantes, entra ellas el final de la película. Con trabajos como este, Fincher se puede reencontrar con el público, mucho más que con el remake encubierto de Forrest Gump que se marcó en 2008. Aunque por lo que pude percibir en la sala de cine, hay que ser usuario de Facebook para disfrutar plenamente de la película.

Una película con un mal guión es insostenible. Una película con un mal guión que gira en torno a un personaje que lleva todo el peso de la historia se puede asumir si el protagonista realiza una interpretación sublime, no es el caso, Pataky está para que viaje al pasado y no se presente al casting de Al Salir de Clase. La historia es más simple que el guión de una película porno, una camarerucha de una discoteca de mala muerte quiere triunfar en Hollywood y lo conseguirá a golpe de cadera. El problema, es que las decisiones que hacen avanzar al personaje suceden porque sí, de la nada, de la improvisación, y están fatalmente llevadas a la pantalla. Pataky no resulta convicente ni en las conversaciones telefónicas, en las que parece que esté leyendo un texto. No es capaz de llenar, ni siquiera en parte, las zanjas kilométricas que tiene el guión. Eso unido a lo poco interesante de la historia, a lo manida que está, a la falta de fuerza en los secundarios, a los cambios y desapariciones espontáneas y que todo pase por un gran Deux ex machina, hacen de Didi Hollywood un subproducto infumable.

Llama también la atención que con el rollo guarrón y salido que lleva Bigas Lunas, haya entrado por el aro de que a la Pataky no se le vea un pezón. Mucho perfil semidesnudo, mucho culillo, pero luego las escenas sexuales quedan forzadas y nada naturales con encuadres de cámara dignos de otra época. Si vas a hacer una película con ese tipo de escenas, o las tratas con más naturalidad o no las hagas, y si vas de enfermo parafílico asume también las escenas cotidianas como algo mostrable. Por supuesto, como tópica españolada que es (en el sentido peyorativo de la palabra), no podía faltar la subtrama suburbana subdramática que tanto gusta a los directores de esta calaña.

Punto y aparte merece la banda sonora de la película. Hay directores como Quentin Tarantino o Kevin Smith que suelen recurrir a elegir canciones ya existentes para que sean el cuerpo de su banda sonora, atendiendo con buen criterio a las necesidades de la escena, y consiguiendo resultados realmente increiblemente buenos. En Didi Hollywood intentan hacer lo mismo, solo que el resultado se acerca más al aborto de un Gremnlin que algo medianamente decente. La banda sonora de la película es una playlist en modo aleatorio, donde las canciones no pegan con las escenas, los montages no transmiten nada (ya podían aprender en este aspecto de Rocky), llegando a darse casos tan patéticamente ridículos como el de ver un polvo piscinero con el tema principal de Pasión de Gavilanes.

En conclusión, Didi Hollywood entra con fuerza en el ranking de peor película jamás creada, con más pretensiones y con peores interpretaciones. tal despropósito no merece la pena ni por aquellos que gusted del voayerismo, es prácticamente imposible salvar nada de esta cinta, si acaso la interpretación de Giovanna Zacarías, que brilla entre tanta ponzoña que la rodea. Queda patente después de esta cinta, que Bigas Lunas debería dedicarse a vivir del cuento o de los réditos que le hayan dado sus otras obras y dejar de consumir material, tiempo y dinero para hacer estas cosas, así como es igualmente evidente (si no lo era ya antes) que Elsa Pataky será muy mona pero como actriz es un cero a la izquierda y que la única forma de que no se note su incapacidad es en papeles cortos, porque si otra película vuelve a dejar su peso en sus hombros, lo más probable es que fracase de nuevo. Es una lástima que con las nuevas propuestas que se hacen en sectores del cine español, alejados de este tipo de productos rancios y manidos, se le siga dando bola a la misma mierda de siempre.

El reparto luce a un nivel más que aceptable. Empezando por Leonardo diCaprio, que por suerte para todos, desde que dejó de ser portada de la Super Pop y se volvió un actor realiza papeles bastante interesantes.  Entre los secundarios destacan por un lado Ellen Paige  y Marion Cotillard, cuyos personajes son los que consiguen interactuar más con las acciones de DiCaprio. Del elenco masculino sorprende la buena interpretación de Joseph Gordon-Levitt, conocido principalmente por la serie “Cosas de Marcianos”. Muy buen trabajo realiza también Tom Hardy.

El guión es muy elaborado, un sistema de invasión de sueños es la excusa para poder adentrarse en mundos propios de cada persona, hasta llegar al subconsciente, todo ello alterando las reglas de la realidad, si bien este recurso podía haber sido usado en más ocasiones, puesto que en algunos tramos la película simplemente parece una de acción en varios planos. No obstante el giro del final, y el uso del subsconciente del personaje de DiCaprio consiguen captar la atención del espectador.

Un recurso muy bien conseguido es el de entrelazar la acción en tres, o incluso cuatro, planos diferentes de la realidad o el sueño, cada uno con un tiempo propio, que transcurre a un ritmo diferente, cada uno completamente distinto al otro y con los personajes desperdigados por ellos, pese a que uno contenga al resto, algo así como las muñecas rusas.

En conclusión, “Inception” es una muy buena película, muy original y que explora en conceptos poco explotados en el cine “mainstream” pese a la cantidad de recursos y posibilidades que ofrece. No obstante no es la mejor película de Nolan, quizá sí la que tiene un planteamiento más original en cuanto la temática a tratar, pero sus dos adaptaciones de Batman, si bien son eso, adaptaciones, consiguen un mejor resultado como películas. Eso no quiere decir en absoluto que “Inception” no sea una película de obligado visionado, solo que es una muy buena película, no un clásico instantáneo.

El guión no es especialmente original, ni tiene giros espectaculares, pero funciona. Su único fin es agobiar y en mayor o menor medida, según la sensibilidad del espectador, lo consigue. Cuenta con algunos momentos bastante tópicos, y algunos exagerados, pero contribuyen a dar algo de movimiento, lo cual se agradece. El trabajo de Reynolds es más que aceptable, aunque es engañoso, puesto que aunque no comparta pantalla habla con con media docena de personajes por teléfono. Poco a poco la historia se va haciendo previsible, y se entiende que el final va a estar lejos de aquello que hizo Uma Thurman en Kill Bill Vol.2 para salir del ataúd en el que le metió Budd, el pobre Reynolds era solo un transportista y no contó con el entrenamiento de Pai Mei.

En conclusión, Buried es un corto demasiado largo que sin ser pesado no consigue la efectividad necesaria. Lo más inquientante, como buena película española que es, es saber a donde han ido a parar los fondos de la subvencines (uno sabe que una película es española cuando en los títulos de crédito iniciales hay más organismos públicos que reparto), más que nada porque la película no es un alarde de gasto, es más, parece poder realizarse con un presupuesto realmente ajustado. Pero eso, es otra historia. Por lo pronto habrá que alegrarse de que en España se vayan haciendo cosas un poquito diferente al manido, repetitivo y aburrido cine social patrio.

La historia que cuenta Toy Story 3 es grande, es cercana, es algo que todo el mundo ha vivido de un modo u otro, representa algo mil veces contados pero rara vez con tanta maestría como es el dejar atrás una etapa de la vida como la infancia. Todo a través de los ojos de aquellos juguetes vivos que maravillaron al mundo allá por 1995. Pero la cosa no queda ahí, puesto que en cierta medida toda la historia trata sobre el avanzar, sobre como no anclarse en el pasado, como seguir hacia delante cuando nada parece tener sentido. Unos juguetes que han perdido su vida “útil” para su dueño tienen muchas cosas de las que preocuparse, que además son extrapolables a los seres humanos. Todo esto sirve de motor para una historia emotiva, profunda, entretenida, con dosis de humor y una sutiliza a la hora de usar referencias que para sí las quisieran muchas otras sagas que viven exclusivamente de los guiños.

Los personajes, una vez más, están creados a la perfección, no ya a nivel visual, sino de complejidad. Captar con tanta maestría un concepto como el Señor Patata, o hacer de Ken lo que todo el mundo ha pensado que es siempre, es algo que solo se consigue cuando las cosas se hacen con esmero y no con el único fin de recaudar (la propia Pixar tiene películas destinadas solo a sacar billetes). Cuando una película se hace con ganas, y no con el método habitual de Disney de los últimos tiempos (vamos, los últimos 15 años aproximadamente), el espectador lo nota.

El nivel técnico de le película es muy alto. Hay varias escenas en la que el uso de partículas en cantidades incontables en pantalla es abrumador. Los juguetes tienen un aspecto mucho más cuidado que en la 2 entrega (se notan los 11 años), sobre todo en detalles como el pelo de lana, o los peluches. Los personajes humanos no están mal, siguen la estética de las anteriores, pero nada que ver con los personajes de plástico.

En definitiva, Toy Story 3 es la mejor película de animación que se ha realizado desde El Rey León, y es la mejor dentro de la categoríaa de películas animadas por ordenador, quedando por encima de sus predecesoras y dejando a años luz a cualquier Shrek, Monstruos, o parida fantasiosa realizada. Escenas como la inicial, que representan a la perfección lo que pasa por la cabeza de un niño cuando juega con juguetes diferentes son tan raras de ver que hacen que la película no vaya a quedar solo como el hit veraniego que sirve para vender muñequitos en los Happy Meal. La saga está perfectamente cerrada, esta película ha conseguido dejarlo todo tan atado y de una forma tan magistral, que cualquier intento de secuela se verá como un intento de exprimir la franquicia más allá de sus posibilidades, y Pixar debe cuidar que el producto que lo puso donde está hoy día no acabe como otras sagas infográficas. Y si la escena inicial es importante, la última no lo es menos, rara vez algo tan simple ha sido tan eficaz a la hora de llegar al espectador y en algunos casos, llegar a emocionarlo.

El remake de Pesadilla en Elm Street es capaz de provocarle pesadillas a Wes Craven (autor de la original y de Scream entre otras sagas). Han vuelto a todos y cada uno de sus personajes y los han vuelto unos sosos sin carisma ni presencia, pero especialmente es el caso de de Nancy y de Freddy. En el caso de la protagonista la actriz elegida, Rooney Mara, no transmite terror en ningún momento, ni terror ni nada en comparación a la interpretación del mismo personaje que realizó Heather Langenkamp en 1984. Aunque más sangrante es el caso de Freddy Krueger. Gran parte del éxito del personaje en su día se debía al actor elegido, Robert Englund (aquel lagarto tonto y bueno de V), sin él no había Freddy. Krueger siempre ha sido algo más que un ejecutor sin más, como puedan serlo Jason o Leather Face, es un personaje retorcido que se introduce en las pesadillas de los personajes para minarles moralmente todo lo que puede antes de acabar con ellos, y ese efecto lo transmitía muy bien Englund. El nuevo Freddy, Jackie Earle Haley, está simplificado al máximo y parece un “monstruo” estándar sin esa componente de retorcida psicología psicópata. Alguien debió pensar que si hizo bien de Rorscharch (Watchmen), donde de hacía de perturbado enmascarado encajaría bien en la churruscada piel de Freddy, craso error.

El resto del reparto es mediocre, puesto que aunque aparezca Clacy Brown apenas tiene dos o tres escenas sin importancia. Toda la chavalería de Springwood se limita a representar los tópicos actuales. Mención especial merece el hecho de que todos los que interpretan a chavales de instituto una vez más tengan bastantes años más que los que tienen sus personajes, aunque eso es costumbre que arrastra el género que puede que nunca desaparezca.

Las posibilidades técnicas que ofrece el cine actualmente están muy mal aprovechadas. Un aspecto mejorable de las antiguas entregas eran los efectos especiales, algunas de las ideas de pesadillas eran muy originales e impactantes, y con los medios actuales podrían ser impresionantes, pero se han limitado a recursos fáciles que no exploten la enorme cantidad de posibilidades que ofrece el concepto de Freddy.

En conclusión, el único beneficio que puede tener esta revisión de este míto del terror ochentero es el de acercar al nuevo públiclo las entregas clásicas de la serie. Las producciones de Bay han demostrado, excepto en el caso de La Matanza de Texas, ser un fiasco que en nada reedita el éxito de las entregas originales, pero además cada vez va a peor. Está consiguiendo simplificar tanto los conceptos, acercarlos tanto a sus concepción simplista del cine, que en una de estas da directamente el salto al gore descerebrado y sin estilo. Elm Street estaba bien como estaba, algunas de sus entregas eran malas, pero no era necesario en ningún caso rehacer la mejor de la serie, sobre todo cuando el resultado final es tan insatisfactorio.