El piloto del remake de V ha conseguido algo que no estaba en los planes de los más optimistas, resultar el mejor piloto de una serie en mucho tiempo. No solo por la factura técnica, impecable, ni por lo bien guionizado y dirigido que está, sino porque consigue además algo muy difícil dentro del género de los remakes,  conservar lo necesario y cambiar lo que tiene que cambiar para que esta nueva versión de la historia sea atractiva tanto para los seguidores de la serie original como para el público generalista. Otra de sus virtudes consiste en que presenta a los personajes con suficiencia, repartiendo bien su tiempo de pantalla, y logrando que la coralidad de la serie hasta el momento esté lograda y no se haga forzada como en otras series, por ejemplo, Flash Forward.

Los nuevos personajes de la serie  tienen características de los de la anterior versión, aunque casi ninguno repite patrón claramente, tienen elementos de sus antecesores pero consiguen tener personalidad propia. Por el momento solo hay un personaje calcado, que aún así posee características de dos personajes de la versión de los años ochenta. Este tipo de “fusiones” de personajes es uno de los grandes aciertos, es una de las formas de mantener lo necesario aportando cosas nuevas. Habrá que esperar algunos episodios más para conocer en profundidad a estos nuevos personajes, pero por el momento todos parecen interesantes.

La trama es muy similar a la del original, aunque con cambios acordes a los tiempos actuales, se deja a un lado la parafernalia militarista pero se incorporan amenazas como las celulas terroristas, referencias a las crisis en distintos aspectos de la humanidad, incluido el declive de la iglesia católica y cómo el Vaticano baila con quien le convenga con tal de captar fieles, la manipulación informativa que sirve a intereses determinados (esto último muy bien captado, parece que se hayan dado un paseo por alguna televisión autonómica española para inspirarse con un intensivo cursillo de manipulación y peloteo).

El retorno de V ha sido prometedor, pone fin a años de rumores sobre una continuación que cerrase la serie original, a la vez que permite iniciarlo todo desde el principio aunque respetando el espíritu de la serie. Dentro de lo que cabe era la opción más lógica, seguir la estela de Galactica o la nueva película de Star Trek, recuperar a los seguidores originales y captar nuevos adeptos, a la vez que consiguen librarse de elementos engorrosos referentes a la continuidad. Habrá que ver como termina esta primera temporada, pero si mantiene la calidad de este piloto, podemos estar ante una de las mejores series que se hayan hecho en lo que llevamos de siglo.

No se que problema tendría el cierre de Galactica que tiene que venir  James Edward Olmos ha dirigir un truñazo de casi dos horas que no aporta absolutamente nada nuevo, relleno, puro y duro, y a destiempo. Ha habido mil momentos en la serie para meter esa serie de escenas inconexas con abusos de fundidos en negro, incluso se podría haber hecho un episodio dentro de la serie regular antes del final, pero que esto sea lo último que va a verse de dicha serie es una vergüenza. The Plan es como esas colecciones anexas a las grandes sagas de las editoriales de comics, que sacan a la vez con afán recaudatorio, te meten personajes, tapan cuatro huecos ya contar billetes. A parte está el tema que el título es pretencioso, porque si el plan Cylon con el que han bombardeado cada intro de la serie es esto, mejor pasar.

The Plan es un timo total y absoluto, no es más que un montón de escenas que parecen sacadas directamente de las que se eliminan y se incluyen como extras en los DVD puestas en línea cronológica. Para empezar se abusa tanto del fundido en negro para separar los segmentos , el montaje es de lo más torpe que recuerdo. Luego el planteamiento, similar a aquel episodio de Lost de la segunda temporada titulado “The Other 48 Days” se basa en contar cosas que los espectadores no saben y que han sido simultaneas a la acción de la serie, pero es que son escenas tan intrascendentes, tan mal hiladas, tan mal dirigidas, tan mal interpretadas, abusando tanto de metraje recuperado directamente de la serie para situar al espectador, que dan bastante vergüenza y que hacen que el espectador se pase bostezando dos horas esperando que pase algo realmente impactante.

James Edward Olmos debería quedarse lejos de una cámara, porque su trabajo como director de este episodio es deficiente, no saca rendimiento ninguno al reparto, los conocidos están peor que de costumbres (algunos como Tyrol nunca tendrán remedio) y los pocos personajes nuevos, además de metidos con calzador, están sobreactuados como si andasen por una serie made in Globomedia. Tiene además detalles de ser un “quiero y no puedo”, recurriendo al típico recurso de enseñar carne porque sí para que la gente piense “que arriesgado, enseña desnudos”, que no sobrarían si The Plan tuviese algo de fondo, pero dado lo flojo de la producción suena a recurso fácil y barato.

El guión es flojísimo, si realmente el plan de los Cylon es esto, y su forma de empezar a sentir la humanidad también, apaga y vámonos. Los momentos de “humanización” son accesorios, carecen de emotividad, están desubicados y en fila, no son necesarios puesto que en la serie ya se van intuyendo, la sobreexplicación perjudica mucho más que beneficia. A los fans talibán de la serie, a los equivalentes a los trekkies seguramente les gustará tanta recreación en lo nimio, para el resto de seguidores de la serie estas casi dos horas son una tortura.

De los actores poco que destacar, Tricia Helfer bien, haciendo de varias six y salvando los muebles, Grace Park ramplona, sin sangre, aburrida, como a lo largo de toda la serie. Dean Stockwell, el hermano Cavil, cabeza pensante del plan, está sobreactuado, como un malo de operata. Callum Keith Rennie está correcto aunque el guión limita mucho las posiblidades de este actor. Michael Trucco tampoco consigue destacar, aunque no es tan infame como Aaron Douglas.

En definitva, The Plan es un episodio doble que de haberlo metido en el momento adecuado dentro de la serie se podría haber salvado, pero que una vez cerrada no es más que un sacacuartos con un guión mediocre, una dirección pésima, un montaje insulso y unas interpretaciones ramplonas. Este invento no sirve ni siquiera para ampliar conceptos del universo de Galactica, esos planos de las colonias hechos malamente con gráficos de PS2 se hacen pesados. Lo más decepcionante es que después del buen cierre que tuvo la serie, ahora saquen este subproducto complementario. Ahora solo queda esperar que visto lo visto, dejen la serie como está y no la sigan hundiendo.

Los ochenta fueron unos años cuando menos, peculiares, algunos campos de la cultura salieron mejor parados que otros, aunque en general es habitual que dentro de un mismo sector se produjeran tanto obras de artes como residuos nucleares que habría que enterrar en hormigón. Se puede ver incluso en la filmografía de reconocidos actores, como Michael J. Fox, que el mismo año que sorprendía al mundo con la genial Regreso al Futuro interpretó a Scotty en Teen Wolf, una película objetivamente floja pero que cae simpática pues mezcla la comedia adolescente  sin los excesos habituales del género con toques de humor de serie B, incluso rozando el surrealismo, con ciertos elementos del género épico-deportivo que tan buenos resultados dio en esa década. Puede que aunque la película la haya visto con 24 años de retraso me haya gustado puesto que de ahí salió una de animación que más recuerdo de mis años mozos.

El guión no es nada del otro mundo, Scotty juega en el equipo de baloncesto de su instituto  que son más malos que las resacas de Diego Tristán, tiene a la típica amiga “fea”, le gusta  la típica tía buena que sale con el típico mazado del equipo rival, con el típico colega zumbado que siempre la está liando… pero Scotty se da cuenta que su pubertad no va a ser tan tipica pues es un hombre lobo. Y nada, a partir de ahí el despiporre, a ir de peludo por la vida sin que a nadie le extrañe y todo el mundo idolatrándolo. No deja de ser la típica historia de personaje anónimo que  se vuelve popular, solo que aderezado con un montón de pelo que hacen que la película de cutre sea incluso agradable. Luego tiene muchos puntos que te sacan una sonrisa, aunque todo es como demasiado inocente, como hacer surf por la ciudad sobre una furgoneta-lobo.

Lo más destacable es que Michael J. Fox vuelve a bordar el papel de adolescente inadaptado, aunque se mueve un espectro distinto al que maneja cuando se mete en la piel de Marty McFly. El resto del reparto no destaca para bien, igual que la dirección, maquillaje, el montaje… por no hablar de lo mal rodadas que están las escenas de partidos. Pero esta película se salva por el carisma del protagonista, y porque de tan cutre que es, queda hasta bien. Seguramente Teen Wolf no pasará a la historia del cine, pero es una de esas películas que dan para más de una conversación de garrafón, que es mucho más de lo que se puede decir del 90% de comedias adolescentes actuales.

Hay veces que los trailers de las películas engañan, algunos son tan buenos que te venden hasta la última mierda y te dan ganas de verlas, otros son malos y luego la película te soprende gratamente, pero también están los que reflejan la realidad tal cual es, y es que sólo viendo el trailer de Jennifer’s Body se podía mascar la tragedia. La última película protagonizada por Megan Fox (quien saltó a la fama por ponerse en pompa delante del motor de un Transformers) no es mala, es peor. Obviamente no se acerca a la infecta Dragon Ball, ni a la pútrida The Spirit, pero es una hora y media de topicazos del cine de terror adolescente con poca o ninguna gracia.

El guión de la película es para que Diablo Cody se replantee esto de ser guionista y vuelva a subirse a una barra americana, parece que esta mujer solo maneja el registro de las historias de adolescentes, y total, si ya has hecho una de embarazos con un resultado aceptable, hagamos una de chavalas en el instituto que se convierten en súcubos. Cualquier episodio de Smallville de las primeras temporadas tiene más enjundia que este batiburrillo de situaciones trilladas hasta la saciedad. Está la guapa, la amiga “fea” que inevitablemente lleva gafas y pelo churretoso, sexo y baile de instituto, sangre de pega, capitanes de football, profesores pintorescos, jugueteos lésbicos, madres tronadas, lugares con toques paranormales, el bar cutre del pueblo, localidad situada donde cristo perdió el mechero… todo ello sin darle el más mínimo toque de interés, todo ello burdo a más no poder.

El nivel interpretativo es deleznable, empezando por Megan Fox, que ni aunque hubiese enseñado carne se habría salvado (que esa es otra, el principal reclamo de la película que es la protagonista enseña menos que en Transformers), y que está un poco pasada para hacer de adolescente, igual que la otra protagonista, Amanda Seyfried, que aunque es la que menos mal lo hace, sigue siendo bastante floja. El resto de papeles pese a ser casi puramente testimoniales, también están acartonados y sobreactuados. Aunque con una dirección mediocre y un guión de pena poco podrían hacer los actores.

En definitiva, Jennifer’s Body es una pérdida de tiempo, que si bien no es de lo peor que se haya proyectado en una sala de cine, parece hecha con desgana y falta de interés, confiando en que el reclamo del atractivo sexual de la protagonista bastaría para hacer taquilla, así que teniendo un relativo número de espectadores garantizados, ¿para que hacer una película decente cuando puede hacerse una auténtica mierda?

Ha llegado el hombre que ha salvado la televisión veraniega, el aventurero capaz de evitar (en la medida de humanamente posible) la cabezada calurosa  las 5 de la tarde. Ya no habrá que resignarse a tener las etapas de montaña del Tour de Francia como único entretenimiento, “El Último Superviviente” (Man vs Wild) se ha hecho un hueco en Cuatro para unir el poderío visual de los documentales con dosis de espectáculo que captan la atención del espectador. Al hablar de este programa de Discovery Channel siempre surge el mismo comentario, que si Bear Grylls no va solo, que si tiene un equipo detrás, que está demasiado bien producido… todos estos argumentos usados en su contra carecen de sentido desde el momento que se sabe que es un programa televisivo, no es telerealidad, y obviamente tiene un proceso de producción, rodaje y postproducción, y que todo ello está al servicio del espectador, sin engaño, engañar sería rodarlo en plan la bruja de Blair, pero parece que el concepto de espectáculo televisivo no está demasiado asimilado por tantos y tantos “listos”.

La premisa del programa es clara, soltar a Bear Grylls en medio de algún lugar inhóspito, y el enseña como sobrevivir hasta encontrar algún atisbo de civilización. Obviamente la situación no es tan dramática como si alguien estuviera en esa situación en la realidad, el que piense que la intención es esa es cuando menos un iluso, lo que no quita que todo lo que hace Bear sea llamativo, sorprendente, impactante y algunos casos incluso útil. Lo que está claro es que éste británico altamente preparado en las fuerzas armadas, es un especialista en lo que hace. Si se tiene que salir de arenas movedizas sale, si tiene que reciclar una oveja muerta, la recicla, si tiene que comerse un gusano lo hace y si se tiene que beber su propia micción, pues también.

Pero el programa no se limita solo a la casquería, lo realmente interesante es ver como es capaz de sacar partido a las situaciones, y porque no, ver la capacidad de sufrimiento y superación. El programa lleva al límite eso que se lleva muchas veces en los informativos de poner a un redactor a hacer un directo de tiempo, si hay viento porque hay viento, si hay lluvia por lluvia, y si no, pues lo que sea pero que se vea como el redactor lo pasa mal, pues con Bear lo mismo solo que en entornos y situaciones mucho más interesantes. Sin haber visto todos los capítulos, en los que llevo siempre encuentro algo interesante, algo que en esa situación, incluso aunque fuera haciendo un programa, no se me habría ocurrido o no me habría atrevido a hacer.

En definitiva, “El Último Superviviente” me parece un acierto de programación, en tanto en cuanto te quita de un plumazo una hora de sopor veraniego, pero además me entretiene y me hace ponerme delante de la tele como hacía tiempo no me pasaba. Y digo bien tele porque las series de TV las sigo por medios que las tratan mejor que las cadenas, pero por una vez parece que aunque sea de rebote, una cadena ha conseguido que mucha gente hable de un programa de su parrilla sin recurrir al basurismo, además de suponer una bocanada de aire fresco a las manidas programaciones de tarde, infectadas por magazines, marujazos, y documentales de leones que llevan reponiendo desde hace 2 millones de años. Una vez pase el verano seguramente lo vuelvan a desterrar a las mañanas de los domingos, pero para entonces dará igual, porque entonces ya será un programa más que habrá que bajar cada semana.

PUBLICADO ORIGINALMENTE EN TYPETEAM; fragmento de artículo doble, rescatada la parte realizada por mí

La cultura popular lleva años contándonos que para acabar con los vampiros nada es mas eficaz que una ristra deajos, una cruz y un madero afilado. Pero quienes llevamos ya algunos años en este mundillo sabemos que hay un arma mucho mas eficaz para eliminar a todas las criaturas infernales y vampíricas que se nos crucen, el látigo. Durante más de 2 décadas una saga nos ha tenido pendiente de acabar con cada resurrección del Conde Drácula, llegando a su última entrega hastael momento, Castlevania Dawn of Sorrow.

Defecto o virtud:

La saga Castlevania nació como un arcade, descubrimos en la NES a Simon Belmont y su clan, enseñándonos lo divertido que era matar monstruos a latigazos. La saga siguió su rumbo, con mejor o peor suerte, hasta que en 1997 cambió radicalmente dejando de lado el factor arcade para convertirse en una versión de Metroid pero con esqueletos. Symphony Of The Night funcionó a la perfección, el mejor acabado grafico bidimensional visto en una PSX, una genial banda sonora, y un juego bien planteado hicieron que el misticismo creciera en torno a él. Las siguientes entregas de la saga copiaron, introduciendo algunas variantes, el planteamiento del SOTN, aunque ninguna logró alcanzarle.

Esta última entrega podríamos decir que hay aspectos técnicos en los que supera a la entrega protagonizada por Alucard, pero en general es un juego muy irregular. Sin caer en el tópico de ensalzar al SOTN, de hecho prefiero otros juegos de la saga, Dawn of Sorrow peca en demasía de vivir de las rentas de las anteriores entregas. Su precuela inmediata, Aria of Sorrow, cede todo el elenco de personajes principales, además de una jugabilidad similar, casi idéntica, con lo que parece que nos encontramos ante una actualización del mismo en lugar de con una nueva entrega. La historia está a la altura del peor guión de Buffy, y ni por asomo alcanza a la del Aria. Y el problema de la trama radica en la jugabilidad, como el sistema del anterior juego había funcionado muy bien se deicidio perfeccionar este. El resultado es que jugablemente es mejor, pero no deja de ser una puesta al día, con un castillo más fácil y soso y con pocos puzzles y elementos de investigación.

Entra por los ojos:

Cuando ves el juego por primera vez en tu consola te da la sensación de que estas ante una de las grandes obras bidimensionales de ésta década. Es posible que sea cierto, el primer escenario es un pueblo lleno de detalles, con elementos poligonales perfectamente, interiores de viviendas detallados, y un Soma que fácilmente puede doblar en frames a su anterior versión. Pero incluso en ese primer momento se empiezan a visualizar irregularidades, sobre todo en los enemigos.

Este juego tiene algunos enemigos nuevos, otros antiguos remodelados, y otros, desgraciadamente, reciclados de juegos de hace una década. Así por ejemplo nos encontraremos al Caballero de la Lanza, el Hombre Lobo del Rondo, las mismas Cabezas de Medusa o el muy visto Mono Esqueleto. Pero por si no fuese suficiente nos encontramos con 2 jefes sacados directamente del SOTN. Todo ello no sería malo si no fuese por lo que contrastan con el resto de enemigos, que sin llegar a niveles playmorianos, no dan la talla.

Los escenarios es otro de los elementos irregulares. El pueblo posiblemente sea uno de los mejores escenarios jamás creados para un juego, mientras que otros como el mundo subterráneo son simples a mas no poder. En algunos encontramos elementos como transparencias que simulan brisas o nubes que móviles, mientras que otros carecen de movimiento alguno. Otro de los problemas existentes es que muchos escenarios nos transmitirán una sensación de deja vu que puede indicar una preocupante falta de ideas dentro de la saga.

La música también se mantiene en la línea general del producto, irregular. Encontramos composiciones de una exquisita composición frente a otras de dudosa calidad o que simplemente pasan desapercibidas y que por mas que las escuches no se te quedan grabadas. Una sorpresa muy grata fue volver a escuchar el Vampire Killer, una de las mejores composiciones creadas para saga alguna. Si tuviese que hacer una selección de las pistas originales de esta entrega me quedaría sin duda con Negra Intromisión, Torre Condenada, El Pináculo y el tema de enfrentamiento En la oscuridad de la noche.

El salvador:

Si en un primer momento el juego puede dejarte un poco frio a pesar desu increíble rejugabilidad, que puede llegar a más de30 horas para conseguirlo absolutamente todo, este cartucho incorporaseguramente la mejor versión arcade de la saga desde el RondoOf Blood. El modo Julius vuelve con novedades que potencian sujugabilidad. Como yo pasaba en Castlevania III manejaremos a 3personajes. Un mermado Julius Belmont, por quien los años nopasan en balde, a la hechicera Yoko Belnades y sus devastadorasmagias y al mediovampiro más famoso del sector y puesto parasatisfacer al fanservice, Alucard, directamente reescaladodesde el SOTN. Este modo por si solo consigue que el juego seaimprescindible, donde este un látigo que se quiten 200 armas y100 almas.

Este modo aumenta la dificultad sustancialmente, se vuelve a jugar como siempre se habían jugado los Castlevanias, con personajes poderosos pero sin abusar, puesto que Alucard no contará con su devastador repertorio del SOTN. Las diferencias entre personajes están bastante definidas y será necesario el uso de los 3 para finalizar el juego, principalmente porque hay sitios por donde solo pueden pasar Yoko o Julius deslizándose o Alucard transformado en murciélago.

El salvador:

Si en un primer momento el juego puede dejarte un poco frio a pesar desu increíble rejugabilidad, que puede llegar a más de30 horas para conseguirlo absolutamente todo, este cartucho incorporaseguramente la mejor versión arcade de la saga desde el RondoOf Blood. El modo Julius vuelve con novedades que potencian sujugabilidad. Como yo pasaba en Castlevania III manejaremos a 3personajes. Un mermado Julius Belmont, por quien los años nopasan en balde, a la hechicera Yoko Belnades y sus devastadorasmagias y al mediovampiro más famoso del sector y puesto parasatisfacer al fanservice, Alucard, directamente reescaladodesde el SOTN. Este modo por si solo consigue que el juego seaimprescindible, donde este un látigo que se quiten 200 armas y100 almas.

Este modo aumenta la dificultad sustancialmente, se vuelve a jugar como siempre se habían jugado los Castlevanias, con personajes poderosos pero sin abusar, puesto que Alucard no contará con su devastador repertorio del SOTN. Las diferencias entre personajes están bastante definidas y será necesario el uso de los 3 para finalizar el juego, principalmente porque hay sitios por donde solo pueden pasar Yoko o Julius deslizándose o Alucard transformado en murciélago.

The End:

Personalmente esperaba mas de este juego, comprarse una consola por el mismo, esperarlo desde su salida, haber disfrutado tanto como lo hice con su secuela, eran muchos factores. Cuando empiezas a jugar te parece increíble, pero según avanzas te va decepcionando poco a poco, apenas existen puzzles necesarios para completar el juego, complementarios hay bastantes. El problema es que no es un juego nuevo, es una mejora, es una especia de Super Aria II Turbo, además de que la historia es mala a rabiar y los nuevos personajes no conocen el concepto de la palabra carisma. A pesar de todo, estamos ante un gran juego que justifica de sobras la adquisición de una DS si te gustan las 2D.

“Esta película es para verla en el cine” es una frase recurrente que utiliza muchísima gente para referirse a determinado tipo de producciones. Normalmente, son cintas cargadas de efectos especiales en las que lo que prima es lo visual, de ahí la idea de que puesto que su atractivo se centra en lo técnico mejor dar uso a las instalaciones cinematográficas para éstas y dejar para ver en DVD películas infinitamente mejores pero que no son un derroche de explosiones y renderizados sobre fondo azul. Este tipo de diferenciación siempre me ha parecido una soberana sandez, aunque Transformers Revange of The Fallen es la típica película con la que dicho tipo de público usaría como ejemplo para su argumentación. La última de Michael Bay es un amasijo de efectos digitales, con diseños de robots tan complejos que cuando interactúan rara vez se distinguen, con un montón de escenas inconexas y con unas líneas de diálogo que no pasan del “caca-culo-pedo-pis”, además de que los personajes están aún menos tratados que en la primera parte. Cuando uno sale del cine se pregunta si todo el presupuesto que se destinó a infografía (que está bastante bien hecha, otra cosa es que se emplea mal) impidió pagar al guionista y tuvieron que coger cuatro ideas y ordenarlas sin más.

La secuela de Transformers es entretenida, y tiene dos actrices-florero de bastante buen ver, y alguna batalla que se distingue algo mejor que en la primera parte, porque los hierrajos de los Transformers no se mezclan enteren hierrajos urbanos. El resto es manifiestamente peor. Comenzando por la citada ausencia de guión, que parece un cúmulo de escenas llenas de chistes fáciles y tópicos recurrentes así como referencias que uno no sabe muy bien de dónde sale, que el protagonista sea Shia LaBeouf no implica que haya que hacer que la película parezca “Indiana Jones y los Robotijos Parlantes”, que con el rollo pseudo arquelógicos que plantean bien podría ser. No hay ningún diálogo que se salve, todo es tópico a más no poder, hasta lo de la “tía buena robot”.

Las interpretaciones en la línea de la primera. Megan Fox debería dejar el cine y dedicarse solo a salir en la FHM, total, allí por lo menos no habla y hace lo mismo que en Transformers, lucir palmito. Shia está bastante peor que en Indiana Jones IV, Josh Duhamel está lejos de ser la mitad de carismático que era en la serie “Las Vegas” o incluso la anterior entrega de la película de los muñecos de Hasbro.  Si acaso se salva John Torturro. Mención especial para Isabel Lucas, la “terminatrix”, que tiene muchas papeletas para ser la próxima Denise Richards, quedaría bastante bien en su papel en un remake de Juegos Salvajes.

La dirección de Michael Bay en su línea. Explosión, efecto digital, otra explosión, más efectos digitales, explosión que lanza ladrillos por los aires, efectitos, escena inconexa, explosión que levanta polvareda etc etc etc. Por lo menos parece que el parkinson a la hora de coger la cámara de y montar se la ha pasado un poco, aunque eso no le libra de la típica escena digna de “Los Vigilantes de la Playa”, de los protagonistas corriendo a cámara lenta justo antes de una explosión.

En definitiva, esta secuela no aporta absolutamente nada. Aunque no se haga pesada por el tema del despliegue de medios, la falta de guión hace que te olvides de ella al rato de salir de la sala, y que nadie recuerde algo más allá de la cantidad de explosiones y luchas robóticas, eso y el cutrerío a la hora de dejar claro que harán una tercera parte previsiblemente igual de insustancial. Para pasar dos horas comiendo palomitas sirve, pero poco más.

Cuando uno tiene un director favorito espera pacientemente su próxima película. El que tenga como referente a Woody Allen en este aspecto estará satisfecho, total, a estreno por año tampoco tiene que esperar mucho. En el caso de Kevin Smith, han pasado tres desde su última cinta. Como ya hiciera en Jersey Girl (la cual he visto después de cinco años y es menos mala de lo que pensaba) prescinde de Jay y Bob y del “universo View Askew”, intentando alejarse en cierto modo de lo que más reconocimiento le ha reportado. Es cierto que antes tuvo que volver por allí en Clerks II, pero Smith sigue empeñado en demostrar que puede hacer algo más. Pues bien, Zack and Miri make a Porno, no termina de conseguirlo, porque en el fondo, el nuevo papel de Jason Mewes recuerda demasiado a Jay y porque pese al prometedor arranque de la película, la segunda mitad no deja de ser una comedia romántica más del montón. No es una mala película, pero el cambio tan brusco entre las dos partes de la historia le hace perder muchos puntos, aunque eso sí, para los que nos gusta ver los créditos, el “final oculto” hace que salgas del cine mucho más satisfecho que si te vas con el final “Standard”.

El guión de la película es medio bueno, medio mediocre. La primera parte, como ya he dicho, es muy buena, las situaciones y los diálogos recuerdan la gran capacidad de Kevin Smith para crear conversaciones que se quedan grabadas en la memoria, a la vez que es capaz de crear secundarios que impacten mucho más que los protagonistas. Se nota también que empieza a tratar temas acordes con su edad, como los reencuentros de instituto. Toda esa parte de la cinta es la que más recuerda a su estilo propio y personal. A partir de que los protagonistas, Zack y Miri, empiezan el proceso de producción de una película, hay un cambio hacia un enfoque más habitual aunque sigue siendo personal. El problema viene cuando se ve que en el fondo todo es una historia de TSNR (tensión sexual no resuelta) o peor aún, DAEA (descubrimiento amoroso entre amigos), por lo que el enfoque pasa a ser de comedia romántica con pinceladas de humor gracias a la temática de las producciones pornográficas de bajo presupuesto. Por supuesto, cuando entra en esta tónica, todo es previsible, pasteloso y muy moñas, y como he indicado anteriormente, si no ves el final oculto, acabas con una sensación de disgusto por lo que pudo haber sido y lo que fue finalmente. El guión de Zack y Miri tiene mucho potencial, pero parece que llegado cierto punto se tira por la vía fácil y la película se queda en correcta, sin más.

El nivel interpretativo es correcto. Seth Rogen lo hace bien, Elizabeth Banks no lo hace mal, Jason Mewes haciendo lo único que sabe hacer, que es el idiota, pero lo hace tan bien que no importa. Jeff Anderson está desaprovechado, en su nuevo personaje no despliega nada de la genialidad que se le ve cuando hace de Randall, quizá su encasillamiento sea por algo. El resto de secundarios bastante correctos todos, en especial Brandon Routh, que ahora se parece incluso más a Christopher Reeve que cuando hizo la decepcionante Superman Returns. Routh sirve aquí de medio para que se luzca el mejor personaje, interpretado por Justin Long (con quien coincidiera Smith en su papel en Live Free or Die Hard), que se mete en la piel del novio de Routh y que tiene las líneas de diálogo más desternillantes de la película

En conclusión, Zack and Miri make a Porno es un quiero y no puedo, porque ni es una película 100% Kevin Smith ni es una comedia romántica al uso 100%, y los experimentos, mejor con gaseosa. Porque la gente que busca en la cinta el estilo propio del autor, se queda con las ganas al ver solo una parte y pinceladas, y porque el público general que la vea como una comedia romántica pensará que tiene situaciones demasiado grotescas. La mezcla queda rara, a partir de un momento clave de la película se hace muy predecible y la moñez toma el control, obviamente no es algo en plan “Un paseo por las nubes”, pero es blando. Smith ya ha demostrado que puede hacer una comedia romántica mucho más personal, menos grotesca y que llegue más al público como fue Chasing Amy, por lo tanto, la historia de Zack y Miri no pasa más que por una película entretenida pero que no satisface del todo ni al fan, ni al casual.

Siendo sinceros, Star Trek me ha importado siempre más bien poco. Más allá de identificar a los personajes principales de la serie, saber juntar los dedos de una mano, una técnica de ataque (y esto gracias a Mallrats), y que una especie de duchas sirven para tele transportarse, siempre pasé de intentar comprender ese sobre valorado e idolatrado por algunos universo narrativo. La mayor lacra de esta saga, además del tono Camp digno del Batman de West, es la continuidad. Una saga que comenzó en los sesenta, aunque haya tenido parones, es una carga muy grande para conseguir nuevos seguidores. Y esto es lo que debieron ver los productores que encargaron la última película de Star Trek, puesto que la cinta dirigida por J.J. Abrams representa un punto de inflexión en la franquicia que va mucho más allá de lo que pudo significar “La Nueva Generación”. Con esta entrega han conseguido algo meritorio, primero hacer una película amena, entretenida y hasta cierto punto original, y segundo, quitarse de encima 40 años de continuidad sin destruirla. Abrams es un experto haciendo pilotos de series, para prueba basta ver el de Lost, y Star Trek parece un episodio piloto de dos horas con un presupuesto considerable, con lo que ha logrado el objetivo de resucitar y posibilitar secuelas de una franquicia que no interesaba más que a sus acérrimos e intransigentes fans.

El reparto está bien elegido. Empezando por Zachary Quinto (uno de los pocos actores salvables de esa infra-serie llamada Héroes), que está caracterizado como Spock de forma que realmente parece una versión joven de Leonard Nimoy. La elección del nuevo Kira es correcta también, tiene ese punto de chulería pasada de vueltas que recuerda a su parodia en Futurama. Entre los secundarios destaca Simon Pegg, que con el ritmo que lleva se está convirtiendo en el actor cómico británico con más presencia internacional. Es curioso ver también como el personaje de Sulu es interpretado por John Cho, uno de los secundarios clásicos de American Pie (cuando eran buenas comedias y no roña directa al videoclub). Los rostros más reconocibles son los de Eric Bana, que se mete en la piel del “malo” romuliano y de Karl Urban, que por una vez deja de repartir collejas y se mete a doctor. El anteriormente citado Nimoy también interpreta a Spock, lo que indica que el buen hombre no saldrá nunca de su encasillamiento, pero que gracias a  ese personaje es alguien hoy día y al menos no reniega de ello.

El acabado técnico es bastante bueno. Se nota la mano de la infografía aunque de un modo lógico, no encontramos pixeles asesinos ni texturas de Nintendo 64. La banda sonora merece un punto y aparte. Michael Giacchino ha conseguido una obra musical muy buena, tanto dentro de su papel en el film, como tomándola como una pieza audible a parte, es de las que se deja escuchar, cosa que no sucede en muchas OSTs. El toque reconocible del autor está ahí, de hecho alguna pieza es bastante similar a otras de su obra, aunque no cae en el autoplagio como le sucedió a John Williams en Indiana Jones IV.

El guión, junto con la dirección, es lo mejor de toda la película. Para empezar, se le intenta dar profundidad a los personajes. Luego la historia es interesante, puesto que consigue quitarse de encima el lastre de la continuidad con un recurso tan fácil y sencillo como crear un universo alternativo mediante un viaje en el tiempo que modifica la historia. Así, de golpe y porrazo, se abren miles de posibilidades para volver a contar historias con estos personajes sin tener que estar pendiente de lo que hizo o dejó de hacer Gene Roddenberry hace cuarenta años. Habrá quien piense que es una especie de falta de respeto destruir una continuidad, pero es un razonamiento absurdo. La nueva línea temporal no afecta a la antigua, solo ofrece posibilidades de nuevas historias, que si siguen la estela de ésta última película, posiblemente le curtan el lomo a todas las películas antiguas, cosa no muy complicada. La introducción de estos elementos, así como el hecho de que coincidan dos Spocks, le da a esta película un aire a historia de cómic interesante, puesto que los elementos usados para el “reseteo” son clásicos del género de superhéroes.

En definitiva, J.J. ha conseguido coger un producto minoritario y obsoleto y relanzarlo a nivel comercial gracias a su habilidad para realizar episodios pilotos y puntos de partida. Star Trek puede consolidarse como un producto mayoritario y abierto, más allá del ámbito Trekkie. Si la siguiente película consigue un nivel similar de espectacularidad y guión, la ciencia ficción estará de enhorabuena por poder permitir a un público nuevo descubrir una franquicia clásica de una forma totalmente distinta.

Hace casi una década que las películas basadas de cómics salieron del pozo en las que las habían sumido los años noventa. X Men fue la responsable. Debido a su éxito consiguió también que Hollywood se lanzase a adaptar cuanto cómic Marvel pudo. Desde entonces ha habido más penas que alegrías, teniendo que aguantar basuras del tamaño de Spiderman 3, la inaguantable cursilada de Hulk de Ang Lee y la tercera parte de la propia X Men. Hace un año Iron Man consiguió sacar las películas Marvel de la mediocridad. Ahora, con X Men Origins: Wolverine, han conseguido una película de acción correcta, que sirve para cohesionar la continuidad del universo propio de las cintas basadas en la saga, pero que no será recordada, ni para bien, ni para mal, no pasa de ser entretenida.

Es cierto que la cinta de Lobezno es mucho menos mala que X Men 3, pero el guión se queda corto. El hilo conductor de la historia es la venganza y el enfrentamiento, y con esta temática hay películas que han sabido sacar mucho más partido de la situación. Abusa además de los tópicos del género, tanto que si no fuera porque hay tipos con súper poderes, y porque el reparto no lo hace mal, parecería que fuese una película de Chuck Norris. Los tiene todos; el hermano malo, el reclutamiento militar, el abandono del servicio militar, la pacífica vida con una mujer lejos de la civilización, la “muerte” de la mujer a manos del hermano malo, dejarse engañar por el enemigo para ser parte de un plan sin que lo sepa… lo dicho, todo eso ya está demasiado visto.

El nivel interpretativo y la dirección son correctos, sin más. Impresiona ver el nivel físico que ha alcanzado Hugh Jackman, que parece mucho más animal que en las anteriores entregas. En cambio Dientes de Sable parece poco cosa, no porque sea pequeño, sino porque Jackman siempre ha sido demasiado alto para ser Lobezno, y si hubieran recurrido al bodoque que hizo de Dientes de Sable en la primera, la parte artística se habría resentido bastante. El resto, normalito. Dominic Monaghan en su línea, haciendo el único papel que sabe hacer, de colgado o de tío que parece corto.

Como adaptación de los cómic, ni bien ni mal. Tienen cosas que están muy bien plasmadas, y otras que se sacan de la manga como quieren, aunque se perdonan por aquello de dar cohesión a la saga cinematográfica. Los efectos no desentonan, pero tampoco innovan. La banda sonora, un momento ¿banda sonora?, tenía, pero es de estas que parece que solo sirven para hacer compañía a los efectos de sonido, para que no suenen tan huecos.

En definitiva, X Men Origins: Wolverine, es una película entretenida pero prescendible, que si bien supera a la tercera parte de X Men y a muchas producciones mediocres de Marvel, no se acerca ni a las dos primeras ni a Iron Man. Toda la película parece una oportunidad perdida, como si se hubiese hecho para cumplir, sin más. Si con el mutante más interesante de la editorial han conseguido un film discreto, habrá que confiar en que las adaptaciones de la  Casa de las Ideas se esmeren cara al proyecto de Los Vengadores, visto que con los portadores del factor X no encuentran la fórmula de que el público vuelva a volverse loco con ellos.